INSTITUTO CULTURAL DE LEÓN

La libertad y el precipicio como consecuencia del modernismo

Ensayo que tiene como propósito llevar al lector a través de las bases del modernismo y su posterior compresión de lo paradójico que puede llegar a ser como corriente.
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Gabriel Alfonso López Gómez
Para comprender lo plano en las obras de artistas como Matisse, tenemos que entender el trasfondo histórico y el mensaje que trató de plasmar en su obra.
Para comprender lo plano en las obras de artistas como Matisse, tenemos que entender el trasfondo histórico y el mensaje que trató de plasmar en su obra.
“Aprende las reglas como un profesional para que puedas romperlas como un artista”. -Pablo Picasso

Introducción.

Este ensayo tiene como propósito llevar al lector a través de las bases del modernismo y su posterior compresión de lo paradójico que puede llegar a ser como corriente, no negando los logros y reglas que rompió, pero sí mostrando las nuevas restricciones que formó paralelamente y la “mediocridad” que desencadenó.

Considero que todo joven que empieza su camino en el mundo de las artes, ya sea como artista propiamente, historiador o crítico, lo hace para ver, analizar o producir Bellas Artes, arte figurativo similar al de los siglos XVI al XIX. Dudo mucho, en lo personal, que esta generación de jóvenes esté dedicando cuatro años de su vida para ver o producir manchas de pintura burdamente en un lienzo o poner un plátano en una pared.

Los estudiantes de la actualidad, desde mi perspectiva, tienen el deseo de comprender y poder producir obras académicas de gran calidad, similares en grandeza a las del siglo XIX, pero estos deseos son rápidamente menospreciados por no decir despedazados por la mayoría de los artistas de la actualidad que tienen un adoctrinamiento de la corriente del modernismo. Ven a las artes realistas figurativas como cursis y fuera de lugar, que tuvieron su lugar en su tiempo, pero que hoy en día las grandes obras de arte a las que podemos aspirar son las que son modernistas, el arte objeto y la pintura expresionista abstracta. Parece ser que entre menos se entienda el significado de la pieza y más elitista sea, mejor y más valorada será.

Lo más probable es que la falta de entrenamiento en las escuelas contemporáneas se deba a que los maestros que venían de las academias y fueron posteriormente parte de las vanguardias no transmitieron el conocimiento a las futuras generaciones las cuales son la generación consolidada de hoy, provocando que solo pudieran producir arte modernista, pero sin la técnica de los siglos anteriores, dejando a la juventud actual en un abismo de ignorancia técnica y sin darse cuenta irónicamente el modernismo es probablemente ahora el nuevo estatus quo que antes lo formaba el academicismo, pero ¿cómo y por qué?

Orígenes.

Para comprender el modernismo y las vanguardias hay que comprender que todo resulta a partir de una lucha social dentro de las artes, a mi parecer mal entendida hasta cierto punto, la cual luchaba contra las restricciones imperantes y la monotonía a causa de las academias que se podía ver con facilidad dentro de los salones parisinos.

Es cierto y no hay que negar que los salones y el sistema artístico llegó a finales del siglo XIX a ser restrictivo con cómo y qué se podía pintar, pero también hay que admitir que la versión de los hechos de cómo nos platican está altamente maquillada para hacer parecer a los impresionistas como mártires y personas poco comprendidas, luchadores sociales en contra de un sistema tiránico y opresor que detestaban, protestando y logrando tener su salón de los rechazados; lo cual no puede estar más lejos de la verdad. Toda esta versión se basa en una novela escrita por Emile Zola, llamada L'oeuvre, la cual ni siquiera narra la vida de un artista real sino de uno ficticio, pero fue tomado el discurso como estandarte ¿Cómo pueden ser repudiados si el propio fundador del salón de los rechazados fue el emperador Napoleón III? A ningún rechazado lo voltea a ver un emperador, pero la versión oficial nos narra que se fundó por una protesta; lo cual está basado en la novela.

Otra de las causas por las cuales hubo este quiebre de paradigmas fue que el arte académico se volvió arte literario, el arte que solamente se puede comprender con un bagaje cultural, pues solo lo entiendes si ya has leído la historia que se ha plasmado anteriormente, como por ejemplo la pintura de La Fragua de Vulcano de Diego Velázquez para la cual se necesita el conocimiento de la mitología griega. Esto provocaba que el arte fuese exclusivamente de los eruditos y personas de la burguesía, quienes poseían estos conocimientos. Entonces “¿Qué era lo opuesto a arte literario? ¡Qué pregunta!: El arte por el arte, la forma y el color exclusivamente por amor al color y a la forma” (Wolfe, 1975). Los artistas como Matisse y Cézanne cuando pintaban nos mostraban la “verdad” de que lo que veíamos,” una pintura es en realidad pintura de color aplicada a un lienzo, papel o superficie plana” (Ross, 2016), ¿pero realmente necesitábamos un siglo para explicar esto?



Consecuencias.

El problema que desembocó esto, es que incluso para comprender lo plano en las obras de artistas como Matisse, tenemos que entender el trasfondo histórico y el mensaje que trató de plasmar en su obra, pues si se le muestra ésta a cualquier individuo lejano al mundo del arte pensaría que es una tontería, y peor aún, sin lo sublime del arte literario académico.

Lo peor de todo es que estos artistas abrieron camino a los artistas abstractos “como De Kooning, Pollock y Rothko, lo pusieron todo en una licuadora y nos lo arrojaron, haciendo así del diseño de colores planos el objetivo final del artista” (Ross, 2016).

Si lo trasladáramos a otra profesión, como lo ejemplifica Fred Ross, sería como si el objetivo final de un escritor fuese escribir libros que especificaran que lo que estas leyendo es solamente figuras en una hoja de papel y que lo leído es simplemente una abstracción que se intenta leer y las paginas subsecuentes de los libros solamente hay líneas y rayones al azar , lo cual sería bastante aburrido, ahora imaginemos que hubieran bibliotecas forradas con esta clase de libros y ferias anuales del libro promoviendo este género literario ¿Seria aburrido no? pues eso ha estado pasando en el mundo del arte visual durante los últimos cien años.

El arte abstracto realmente no tiene sentido, ni siquiera está bien usada la palabra abstracto en la definición, pues si se trata de pintar algo y se parece a lo retratado, la abstracción se considera precisa y cercana a la realidad, los expresionistas abstractos hacen todo lo contrario. Según la Real Academia Española es “Separar por medio de una operación intelectual las cualidades de un objeto para considerarlas aisladamente o para considerar el mismo objeto en su pura esencia o noción”.

Sinceramente cualquier alumno de artes que vea una pintura como Woman I de William de Kooning y la compara con una de cualquiera de los prerrafaelitas podría preguntarse ¿esto realmente es mejor? ¿cómo puede ser mejor? ¿qué estoy haciendo con mi vida estudiando esto? pero callará todo impulso de decir lo que realmente está viendo por miedo de ser tachado como ignorante, pues sus profesores que hayan sido instruidos en el modernismo podrían decir que no lo comprende, que no es capaz y aún no está lo suficientemente letrado para entenderlo, muy parecido al cuento de Hans Christian Andersen donde todo el mundo dice ver el traje del emperador, pero tristemente no hay nada ahí y callan el decir que no lleva ropa alguna por no sentir vergüenza de no ver lo que no está ahí.

El arte moderno toma uso del “Prestige Suggestion” (sugerencia de prestigio) y del “Art-speak” o verborrea para justificar las obras contemporáneas. Forran a las galerías y a las críticas de las obras con palabras pomposas y marean al lector para enaltecer una pieza que realmente no tiene nada que ser enaltecido y usan sus títulos y autoridad para callar toda objeción que venga del sentido común. Toda esta” revolución” era para vencer a un arte literario que era exclusivo para la burguesía, pero en palabras de un artista pop: “No hay nada más burgués que tener miedo a parecer burgués” (Andy Warhol).

También el modernismo toma uso del existencialismo y del nihilismo para defender las obras y su contenido. Nada tiene valor en la vida, todo es falso, pero la propia frase es una paradoja pues si todo es falso nada lo es[1].

El relativismo estético es usado para decir “todo es válido, todo puede ser arte” y al igual que la frase “todo es falso” entra en la misma paradoja. Este relativismo estético es popular en países en vías de desarrollo y es rechazada por varios neurólogos[2], sí hay verdades estéticas. Por poner un ejemplo burdo aquí en México la mierda es fea al igual que lo es en china, y los perritos serán igualmente lindos y tiernos alrededor del mundo. Esa es una verdad estética. Aunque un devoto relativista dirá que dependerá del ojo quien lo mira y que desde una luz ideal un mojón podría parecer hermoso o el significado de éste es trascendente y profundo. Pero sí somos honestos nadie que tenga un ápice de cordura preferirá un mojón que a un cachorrito.

Hoy en día el arte es más valioso por el statement y lo que el artista redacta que por la pieza en sí misma, incluso hay más arte en las palabras utilizadas que en la propia obra. Yo soy un fiel defensor de la frase “una imagen dice más que mil palabras” y si la obra de arte necesita que la galería ponga engorrosos textos para que el espectador comprenda levemente lo que está viendo, entonces la pieza no se defiende ni se define por sí misma haciéndola deficiente.

En el libro de Tom Wolfe, La palabra pintada, él hace una cita de Hilton Cramer, director de la sección de arte del Times, que repetiré a continuación:

El Realismo no carece de partidarios, pero a todas luces está falto de teorías convincentes. Y dada la naturaleza de nuestro comercio intelectual con las obras de arte, la carencia de una teoría convincente significa la falta de algo crucial…”.

Wolf, 1975

O sea no puedo ver un cuadro si no hay toda una teoría intelectual que le respalde ¿Cuándo alguien ha visto una obra de Sorolla y a dicho “si está bonita, pero la teoría es demasiado pobre por lo que no me convence”? No nos sorprenda a los artistas y promotores culturales leyendo declaraciones como ésta que la juventud y el público no se quiera acercar a las galerías contemporáneas como lo hacían hace poco más de un siglo, pues no le atrae la “alta cultura” que tenemos que ofrecer.

Es entonces por sentido común reconocer que a los jóvenes de hoy les interese más las ilustraciones de los comics y conozcan y memoricen perfectamente el nombre de los ilustradores de estos en lugar de los artistas del arte objeto o arte expresivo abstracto. Si le preguntáramos a algún joven los nombres de dichos artistas nos podría dar nombres de la talla de Alex Ross, Kim Jung gi, Jim Lee, Todd McFarlane, Steve Ditko o Humberto Ramos, pero si en lugar de esto le preguntamos de artistas contemporáneas podríamos oír tan solo el grillar de los grillos.

Todos los artistas anteriores son denigrados por el medio artístico por dedicarse a la ilustración, pues otro de los mecanismos del modernismo para socavar las artes realistas y figurativas es apartar a la ilustración como un “arte menor” y verlo solamente por encima de la artesanía.

El arte o mejor dicho las Bellas Artes se podrían definir como la perfecta relación entre, belleza, su capacidad de transmitir un mensaje y una sensación. No quedan exentas las piezas modernas en la experiencia estética, pero no logran ser Bellas Artes, pues no transmiten un mensaje definido o al menos comprensible sin recurrir al texto engorroso que lo defienda o le de algo de fuerza a la contundente pobreza de la pieza. Un tapete puede provocar al igual que una vasija una experiencia estética, pero que provoquen ésta experiencia no las convierte en obras de Bellas Artes (no sin un texto mareador según los modernistas).

Reconciliación

El “realismo” ha estado presente incluso en el arte modernista, a decir verdad, pues, aunque se niegue, todo lo que se quiera pintar es una abstracción de la realidad. Existió realismo en la pintura modernista en sus inicios en el siglo XX, pero a su manera, puesto que sí retrataban la realidad, la realidad percibida, y tomaron uso del medio para expresar la realidad como en las pinturas de Winslow Homer donde tomaba uso de la plasticidad matérica para reflejar la tempestad del mar, siendo una inspiración para el grupo de los Ocho liderado por Robert Henri quienes usarían igualmente la materia como medio expresivo.

Se podría decir que en sacrificio de la mimesis se le dio peso a la expresión alegórica, a lo implícito y no dicho de forma directa por el artista, comunicado solamente por la pincelada ávida de éste.

Conclusión.

Es cierto que la libertad que nos heredaron los modernistas es una herencia inestimable, aunque provocándole nuevos retos académicos y expresivos al artista contemporáneo para lograr una maestría técnica.

Los artistas modernistas originales de inicios del siglo XX tenían el dominio de la técnica y la teoría, pero tristemente solo heredaron lo segundo, dejando al arte en un bucle del arte por el arte mismo expresando la plasticidad matérica y lo plano de los lienzos. Es nuestro deber no solo como nueva generación de artistas sino como humanos luchar y exigir por un arte de calidad, que revuelva las pasiones del alma y nos haga remontar el espíritu humano, que nos haga sentir hasta las lágrimas y nos emocioné y divierta el ir a un museo o galería, para así poder dejar algo hermoso e inspirador a los jóvenes que vendrán… y seguirán viniendo.



Referencias

Academic Art. (s.f.). Obtenido de Art Encyclopedia: http://www.visual-arts-cork.co...

ANDERSEN, H. C. (2014). EL TRAJE NUEVO DEL EMPERADOR Y OTROS CUENTOS ILUSTRADO POR MARTA VICENTE. Buenos Aires: Eudeba.

LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS HISTÓRICAS. (s.f.). Obtenido de UNIVERSIDAD DE MURCIA: https://www.um.es/documents/32...

Lloveres, E. N. (s.f.). Dibujo artístico para principiantes. Obtenido de DOMESTIKA: https://www.domestika.org/es/c...

PRENDEVILLE, B. (2000). EL REALISMO EN LA PINTURA DEL SIGLO XX. BARCELONA: EDICIONES DESTINO THAMES AND HUDSON.

Relativismo estético. (6 de julio de 2022). Obtenido de WIKIPEDIA La enciclopedia libre: https://es.wikipedia.org/wiki/...

Ross, F. (2016). ARC ART RENEWAL CENTER. Obtenido de The Philosophy of ARC Why Realism?: https://www.artrenewal.org/Art...

Ross, F. (2024). Abstract Art Is Not Art and Definitely Not Abstract. Obtenido de ARC ART RENEWAL CENTER: https://www.artrenewal.org/Art...

Wolfe, T. (1975). La palabra pintada. Barcelona: ABAGRAMA.

Gabriel Alfonso López Gómez Gabriel Alfonso López Gómez

Alumno de la Escuela de Artes Visuales Antonio Segoviano, ESAV, y segundo lugar del Primer Concurso de Ensayo Académico sobre Artes Visuales Juan García Ponce.